羊文学のLIVE衣装はどう作られたのか？ 著名アーティストの衣装を手がけるデザイナー・Kanako Kakimotoのクリエイション

街にも、オフィスにも、部屋で安らぐ時間にも、それぞれのファッションがある。そして歓声が沸き起こる、一夜限りのライブのためにも。

数時間のステージでスポットライトを浴び、オーディエンスの記憶に刻まれる、アーティストのライブ衣装。その服をつくるデザイナーはどんな創意工夫をこらしているのだろうか？

本記事では、自身のブランドをプロデュースしながらアーティストの衣装制作も行うKanako Kakimotoさんにインタビュー。音楽やパフォーマンスという身体表現と密接に結びついたクリエイションについて聞いた。

羊文学のライブを彩ったオーダーメイド衣装

羊文学 TOUR 2024 "soft soul, prickly eyes"。そのステージの上にKanako Kakimotoさんが手がけた服があった。

塩塚モエカさん（Vo.Gt.）、河西ゆりかさん（Ba.）のからだにゆるやかに巻きつく、オーダーメイドのトップスだ。

「アーティストの衣装制作は、スタイリストさんからオファーをいただいて仕事がはじまります。何度も打ち合わせを重ね、パフォーマンスに合う衣装を作り上げていきます。

羊文学さんのトップスのデザインのポイントは、グレーと黄土色のグラデーションです。ツアーのメインビジュアルがモノクロの粗い写真だったので、その『粒子』を衣装で表現しようと、スタイリストさんとアイデアを出しあってつくりました」

ライブ会場に集まったオーディエンスが何度も見つめたはずのフライヤーからインスピレーションを得た、ツアーの世界観を具現化した服。私たちが普段着る服と役割はまったく違うが、細部まで手を抜かない。

「グラデーションをもっとも美しく、また耐久性を持たせるために、ほかの仕事でつながりがあった染色工場さんに依頼してスプレー染めの技法で仕上げていただきました」

ライブ衣装では「演奏」という特殊な環境にあわせたデザインも要求される。アーティストは歌い、踊り、楽器を弾くなど日常生活ではありえない動きをする。

パフォーマンスを邪魔することなく、かつ魅力を最大限に引き出す衣装にするためデザインの考え方も独特だ。

「まず、舞台上でおふたりがリラックスして着用できることを考えました。細かく装飾を重ねていくのではなく、ストレッチ性のある生地をねじったり結んだりすることで単純なパターンから複雑なシルエットを生み出しています。

そして、ギターやベースを演奏している状態でスタイルが完成すること。布をギターストラップと逆の方向にねじることで動きを出し、きれいに見えるようにしています」

アーティストのライブを研究し、その動きをイメージすることも大切だという。

LIVE衣装デザイナーになるには？

羊文学のほかにも、XGの1st WORLD TOUR “The first HOWL”でのJURINさんの一部のソロ衣装デザイン、サザンオールスターズのステージ衣装への技術協力、Chara、水曜日のカンパネラ、SARMへの衣装提供など、Kanako Kakimotoさんは数多くのアーティストの世界観を服で支えてきた。

そのクリエイションがはじまったのは2021年。原点は小柳ゆきさんのライブに関わったことだ。

「私はエスモードのパリ校に留学しているのですが、その卒業制作がinstagramでスタイリストさんの目にとまり、リースを依頼されたところからエンターテインメントの方々と関わるようになりました。

そこからオリジナル衣装のオファーにつながった最初のアーティストが小柳ゆきさん。この仕事でいまのデザインの考え方をつかみました。

小柳さんの力強い歌声と大きな動きを生かすには、ファッションモデルに着せるような服とは違う作り方が必要でした。

裾に円形のパターンを使って腕を振り上げたときに動きが強調されるよう工夫したり、衣装替えをスムーズにするためにボタンに見える箇所も面ファスナーで留めていたりします」

ダイナミックでありながらフェティッシュな面も見せる装飾性と、ライブならではの機能性を両立させるために研究を重ねた。そこにはひとりのファッションデザイナーとしての追求もあったという。

「衣装デザイナーはあくまでスタイリストさんとともにアーティストさんに協力する立場。そのなかでも、エンターテインメントの世界にはさまざまなタイプのデザイナーがいます。

オーダー通りの衣装をしっかり作りこむ職人的なデザイナーの方もいますが、私は自らのブランドも持っていて、衣装にも自分なりの世界観をさりげなく重ねていけたらと思っています」

音楽にファッションが必要な理由

ファッションデザイナーを志したのは幼いころ。最初は自分が「世の中を動かすような」存在になりたかった。

「子どものときから、誰かを感動させる仕事につきたいと思っていたんです。流行を作っていきたい、という想いからファッションデザインに興味を持って、京都造形芸術大学（現・京都芸術大学）のファッションデザインコースへ進学しました。

でも在学中には、はかなく消えていくトレンドに対して疑問を抱くような経験もしました。自分は何をしたいのか、すこし迷いましたね」

そのときに現在の道に進むきっかけを得たという。オーディエンスのひとりとして見に行った「東京事変」解散ライブの衣装に衝撃を受けた。

「スタイリストの飯嶋久美子さんのお仕事です。こんなにも服に心を動かされたことはありませんでした。そこでステージ衣装の仕事に興味を持ちました。最初にデザインしたライブ衣装は、高校時代に入っていた軽音楽部のためのオリジナル衣装です。

衣装デザイナーは裏方ですが、アーティストを一番近くで応援できる方法なんです。ファッションはステージに挑んでいく人に『自信』を与えるんですよ」

その後、パリのエスモードに留学。ステージ衣装を離れてモードに傾倒したというよりは、服作りのテクニックを学び、自分の世界観を確立することに興味があった。そこで同時にデザイナーとしての礎となるモチーフにも出会うことになる。

「本場の服作りのなかで私が見つけたのは、色とりどりのテープやパイピングというモチーフでした。人を縛り、身体を締め付ける役割もある。でもそこにパワーが宿っています。デザインに独特なニュアンスを盛り込みながら、自由に使える要素でもあると思います。

もともと私は幼少期にバレエを習っていて、トゥシューズやレオタードをよく着ていました。バレエでは衣装で身体を固定することで表現が完成します。その原体験も影響しているのかもしれませんね」

たしかに、Kanako Kakimotoさんのステージ衣装の多くに、編みこんだテープやハーネス、コルセットなどのアイテムが多く使われていることに気が付く。そのモチーフを携えて、いま新しい挑戦をはじめている。

「自分のブランドを立ち上げたばかりで、5月に2回目の展示会を準備しているところです。日常で纏える服でありながら、アンティークのコルセットからロープテクニックを取り出したり、ステージ衣装で培ったデザインも使っています。

もちろんこれからもステージ衣装の仕事は大切に続けていきますが、同時にもっと多くの人にも届けていきたい。ミューズは、自分で戦い、ちゃんと傷ついてきた『本物』の人たちです」

きっとこのブランドがイメージする女性像には、いままで衣装を提供してきたアーティストの姿と生き方が重なっているだろう。

巨大なアリーナも、社会のあらゆる場所も、変わらず自分を表現する舞台になるはずだから。